Orfeo - Monteverdi

Elementos de una Ópera

ÓPERA: Representación de un “Drama” totalmente dominada por la música cuyo texto es cantado. Se caracteriza por ser una concatenación de números musicales diferentes.

Elemento que intervienen en la Ópera:

- Música (los cantantes, la orquesta)

- Texto (el argumento)

- Actuación

- Danza

- Escenografía (partes del escenario, ambientación espacial)

- Vestuario y maquillaje.

Divisiones de una Ópera

• Dividida en Actos (habitualmente 2 o 3).
• Cada Acto está divido en Escenas.

Secciones Musicales donde intervienen los cantantes

• Recitativo, lleva la mayor parte de la narración, se caracteriza por un ritmo muy flexible.
• Arias, se usan como reflexión lírica de un personaje en particular, poseer un carácter predominantemente lírico y melódico.

Partes orquestales (partes que son puramente instrumentales sin cantantes en escena):

• La Obertura, número musical con el que se inicia la obra.
• El Preludio, es una forma de obertura que se caracterizan por ser una pieza orquestal libre.
• Los Intermedios, son piezas orquestales ejecutadas, en la mayoría de los casos, entre dos actos diferentes, aunque también se da el caso de intermedios que se ejecutan entre dos escenas diferentes de un mismo acto y que sirven para dar tiempo de cambiar la escenografía.

Leer: HISTORIA DE LA ÓPERA , ver: VIDEOS de la Serie "Historia de la Ópera Italiana"

Ópera historia

La opera nace a finales del siglo XVI en Florencia y es unos de los géneros que identifican al Barroco. Entre las prácticas que combinan drama y música que anteceden a la ópera, encontramos la comedia Madrigalesca del renacimiento. Sin embargo es en los Intermedios (intermezzi) donde se encuentra el antecesor más directo de esta nueva práctica. El intermedio constaba de pequeñas intervenciones que tenían lugar en las interpretaciones del drama en las cortes italianas. Estas constaban de piezas musicales autónomas con respecto a la obra principal.

Las primeras óperas tratan temas tomados de la mitología clásica antigua. Generalmente la macro estructura formal consta de una introducción instrumental (denominada sinfonía u obertura), un prólogo, y un número diverso de actos. A su vez los actos se dividen en escenas.

En las óperas italianas, desarrolladas en un clima generalmente burgués, la introducción (Obertura) cumplía la función de llamar la atención del público en vistas a que prestaran atención al drama. Por ello generalmente comienzan con un movimiento rápido. La ópera francesa en cambio, al desarrollarse en la corte real, posee una obertura que comienza de forma lenta, pomposa y acompasada. De ahí provienen las formas llamadas “obertura italiana” (rápido-lento-rápido) y “obertura francesa” (lento-rápido-lento).

El prólogo solía estar cantado por un personaje que no intervendría posteriormente en la historia. Presentaba la problemática del libreto e introducía la acción dramática. En muchos casos se trataba de un aria estrófica, cuyas secciones estaban separadas por ritornellos (estribillos) instrumentales.

Cada acto estaba conformado por escenas que respondían más al texto que a una necesidad formal puramente musical. Estas escenas estaban conformadas por recitativos (en los cuales descansaba la mayor parte de la narración), arias (que se utilizaban como reflexión lírica de un personaje en particular) y coros (que en un principio comentaban la acción, como en el teatro clásico. Paulatinamente los coros fueron perdiendo terreno en la ópera).

Entre los actos existían interludios instrumentales. Sobre todo en la ópera francesa, como es el caso de la obras de Lully, éstos respondían a movimientos de danza.

Una vez estandarizada la ópera en el barroco medio, estos diferentes momentos se ven claramente diferenciados. El recitativo está musicalmente muy ligado a la declamación del texto, por lo que se caracteriza por un ritmo muy flexible, marcado por la recitación. En su variante más extrema, el recitativo secco la línea melódica es apenas acompañada por un continuo que es poco más que acordes plaqué. El recitativo acompagnatto en cambio está acompañado por la orquesta, y manifiesta una textura claramente bipolar. El aria contrasta con el recitativo, al poseer un carácter predominantemente lírico y melódico. Es una suerte de canción, dónde se prioriza lo expresivo sin apelar a la narración dramática. Su versión más paradigmática la constituye el aria da capo, estructura binaria en donde las secciones vocales son alternadas con un ritornello instrumental. A la segunda sección contrastante seguía la reexposición de la primera, que no se escribía, y en la cual el cantante modificaba la línea a partir del agregado de ornamentaciones mediante las cuales mostraba su capacidad técnica.

Un caso intermedio entre recitativo y aria lo constituye el arioso, que cumplía dentro de la obra la misma función narrativa del recitativo, pero apelando a recursos melódicos y musicales más cercanos a los del aria.

Hacia el barroco medio, cuando en Venecia (y luego en el resto de Italia y de Europa) la ópera se transforma en un espectáculo burgués, destinado a todo aquél que pueda pagar una entrada, esta estructura se ve enriquecida por intermedios cómicos que funcionan como momentos de distensión. Resulta de ello una estructura que se asemejaría más a nuestra noción contemporánea de espectáculo circense (dentro del cual las sucesivas apariciones de humoristas y payasos distienden los momentos de “peligro” de domadores y equilibristas) que a lo que hoy en día es una función de ópera. Incluso el público pocas veces guardaba silencio en las representaciones, y la ópera funcionaba muchas veces como excusa para el encuentro de tipo social. De ahí la necesidad de dotar a las arias de momentos de gran virtuosismo para lucimiento de los cantantes, lo que provocaba la modificación de la obra al agregar el intérprete gran cantidad de ornamentaciones (o directamente pasajes melódicos). No era extraño que la acción dramática se viera interrumpida al tener que repetirse un aria a partir del pedido del público. Ya hacia el final del período los ideales originarios del barroco temprano se vieron abandonados por completo, siendo el componente dramático del texto una mera excusa para la composición de melodías que permitieran la ornamentación y el despliegue técnico de los intérpretes. Es por eso que en el clasicismo volveremos a encontrar tendencias que proponen (150 años después) reequilibrar nuevamente las relaciones entre texto y música.

A partir de los intermedios cómicos surgirá la ópera buffa (cómica), que se opondrá a la ópera seria (de libreto dramático). Mientras esta última continuará tomando sus argumentos de la mitología clásica o de la historia antigua, la ópera cómica tratará temas vinculados a la cotidianeidad y a la propia época. Ambos estilos operísticos continuarán en el período clásico.

Facultad de Bellas Artes. Cátedra de Historia de la Música I. Ficha de cátedra.

La historia de la Ópera Italiana. "Los comienzos"

Barroco Características Generales

Barroco 1600-1750

La palabra "Barroco" (que en portugués significa alhaja o joya de forma irregular) se utilizó primeramente para describir el estilo densamente ornamentado -y a veces grandioso- de la arquitectura y el arte del siglo XVII. Los músicos adoptaron la palabra y la utilizaron para describir el estilo musical del período de 150 años que va desde el nacimiento de la ópera y del oratorio hasta el fallecimiento de J. S. Bach.

Bach, Johann Sebastián. 1685-1750 (Alemania)

Vivaldi, Antonio 1678-1741 (Italia)

Händel, Georg Friedrich. 1685-1759 (Alemania)

Características generales:

1. Los compositores del Barroco temprano utilizan texturas musicales ligeras y homofónicas: una melodía con un simple acompañamiento de acordes. Pero al poco tiempo se produce un retorno a las texturas polifónicas (contrapuntísticas).

2. El Bajo Continuo se convierte en el cimiento musical de la mayor parte de las composiciones, proporcionando una línea de bajo con sentido que confiere a la música una sensación de movimiento continuo hacia adelante.

Una parte de bajo continuo consiste exclusivamente en una línea de bajo tocada por un instrumento tal como un violonchelo, un contrabajo o, a veces, un fagot. Pero el compositor suponía que habría otro ejecutante de continuo tocando en un instrumento capaz de producir acordes - clavicémbalo, órgano o quizás un laúd - con la capacidad de ir improvisando acordes sobre la línea del bajo, rellenando así las armonías y decorando la textura musical. Las notas del bajo continuo proporcionaban la base para las armonías necesarias, pero a menudo los compositores incluían cifras por debajo de las notas para indicar claramente los acordes que deseaban que se interpretaran. Una línea de bajo de este tipo se llama un "bajo cifrado". La idea del acompañamiento interpretado por instrumentos de continuo se mantuvo durante todo el período Barroco, constituyéndose en la base de las armonías y la textura de casi todo tipo de piezas.

3. Por lo general, se preserva un mismo clima o sentimiento musical a lo largo de toda la pieza.

4. La familia de los violines reemplaza a las violas antiguas. La orquesta comienza a tomar forma como la primera formación instrumental autónoma amplia, siendo su componente principal la sección de cuerdas – siempre con un continuo de teclado (clavicémbalo u órgano) que va rellenando las armonías por encima del bajo cifrado y ornamentando la textura musical.

5. A menudo se observan ritmos enérgicos que llevan la música hacia delante. Las melodías son frecuentemente largas y fluidas, decoradas con ornamentos (como apoyaturas o trinos). Contrastes (particularmente en conciertos) de timbres instrumentales, de un grupo reducido de instrumentos contra un grupo mayor, de sonidos fuertes contra suaves (dinámicas escalonadas, efectos ocasionales de eco) y de “bloques” de sonido de timbres diferentes (por ejemplo, la alternancia entre cuerdas y vientos primero, y luego la unión de ellos).

Instrumentos del período barroco (detalle de la obra "El oído" de J Brueghel, 1568-1625)

Más Imágenes de Instrumentos Barrocos > Aquí.

Vivaldi - Concierto Instrumentos Barrocos

Concierto de Vivaldi con una Orquesta de Instrumentos Barrocos

Agrupaciones Instrumentales

Existen distintos tipo de obras compuestas exclusivamente para un tipo de formación instrumental. Los podemos dividir en 3 grupos: Obras para Solista, para Conjuntos de Cámara y para Orquesta.

SOLO

- Obras para un solo ejecutante. (Por ej. Suite para Cello Solo de Bach.)

CONJUNTOS DE CÁMARA

Grupos Mixtos (instrumentos de distintas familias)

- Dúos, tríos, cuartetos, quintetos, etc.

Grupos Preestablecidos (instrumentos de la misma familia)

- Cuarteto de Cuerdas (Cuerdas Frotadas: 2 violines, viola y cello)

- Quinteto de Bronces (Vientos de Metal: 2 trompetas, trombón, corno, tuba)

- Quinteto de Vientos (Vientos de Maderas: flauta traversa, oboe, clarinete, fagot y corno.)

ORQUESTA

- Orquesta de Cámara (Grupo más reducido instrumentos que la orquesta sinfónica)

- Orquesta + Solista/s (Orquesta Sinfónica o de Cámara con uno o más instrumentos con mayor importancia de parte. Ej: Concierto para Piano y Orquesta.)

- Orquesta Sinfónica (todos los instrumentos sinfónicos de las distintas familias. Ej: 9na Sinfonía de Beethoven)

Trabajo Práctico: Instrumentos Barrocos

Investigar características sobre los instrumentos de esta época: familias a las que pertenecen, materiales con los que fueron construidos, modos de ejecución, obras para dichos instrumentos, luthieres.

Violín Barroco, Maderas y Metales Barrocos, Mandolinas, Instrumentos de Teclado: Clavicordio y Órgano.

Recursos: Ver los videos y escuchar obras ejecutadas en estos instrumentos diferenciando timbres instrumentales y forma de ejecución.

Algunos Ejemplos: video1, video2, video3, video4, video5

Realizar un trabajo informativo de no más de 2 carillas.

Purcell - Canzona / Music for the Funeral of Queen Mary (Funeral Sentences) Z. 860

Instrumentos de metal barrocos interpretando:
- Canzona - Music for the Funeral of Queen Mary Z. 860 (Funeral Sentences)
de Henry Purcell (1659~1695).

Baroque Brass of London
Mark Bennet (Flatt Trumpet)
Michael Laird (Slide Trumpet)
Crispian Steele-Perkins (Slide Trumpet)
Ron Bryans (Sackbut)

Händel. Música Acuática.

"Alla Hornpipe" de la Suite en Re Mayor de Händel "Música Acuatica".

"Gigue" de la Suite No.6 para Cello de Bach.

El cellista Yo-Yo Ma interpretando la Gigue de la Suite No.6 para Cello de Bach.

Clavicordio (video)

Mandolina (video)

Vivaldi - Concierto para Oboe y Violin

Concierto para Oboe y Violin in B flat, RV 548 de Vivaldi, interpretado por un grupo de música barroca con instrumnetos de época.

Vivaldi - Concierto para Flautín

Beethoven Triple Concierto. Daniel Barenboim, Itzhak Perlman y Yo-Yo Ma

Bach, Chacona - Maxim Vengerov

Maxim Vengerov tocando la Chacona de la Partita en Re de Bach. Video del "Holocaust: A musical memorial film from Auschwitz".

Orquestas de la Ciudad de La Plata y sus alrededores

Trabajo Práctico

“Hoy en día, orquesta se refiere a un grupo numeroso de músicos tocando juntos, el número exacto depende del tipo de música.

La historia de la orquesta en tanto que conjunto de instrumentistas se remonta al principio del siglo XVI. Aunque en realidad este grupo "organizado" realmente tomó forma a principios del siglo XVIII. Antes de esto, los conjuntos eran muy variables, una colección de intérpretes al azar, a menudo formados por los músicos disponibles en la localidad.”

En nuestra ciudad y sus alrededores encontramos diferentes tipos de Orquestas. Podemos clasificarlas en dos grandes grupos:

1- Orquestas de Música Académica. (de Cuerdas, de Cámara, Sinfónica, etc)

2- Orquestas de Música Popular (de Tango, de Salsa, de Jazz, etc).

Buscar información de una de orquesta académica y una orquesta popular, ambas de la ciudad de La Plata. Utilizar distintas fuentes información actualizada: Diarios, Revistas, Centros Culturales, Teatros, Internet.

Pautas a investigar sobre cada orquesta:

1. Nombre de la orquesta.

2. Tipo de orquesta

3. Instrumentos que usan.

4. Su historia.

5. Tipo de Repertorio (obras, estilos, etc.)

6. Previos y próximos conciertos.

La música y la sociedad

La música y la sociedad. Albertina Pujol, 4ºD - 2010.

¿Qué es la música?, si entramos en internet o buscamos en un libro, seguramente nos encontramos con algo similar a esto: “según la definición tradicional del término, es el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales…” pero en la actualidad, el concepto de música tiene un significado algo diferentes, en realidad tiene varios. La música es un arte, en eso coincidimos, pero después para cada persona la música tiene un significado diferente, para algunos significa protesta, para otros, rebelión, y si nos sentamos en una esquina y preguntamos qué es la música a cada persona que nos crucemos, nos podríamos encontrar con un montón de significado más. Principalmente quiero enfocarme en el pensamiento de los jóvenes sobre la música, en lo que se escucha y en lo que no, y porqué.

En la actualidad la moda influencia mucho en la música, especialmente en la que escuchan los adolecentes. Si volvemos en el tiempo, podríamos hablar de la música moderna, que surgió entre los años 1950 y 1990, aquí nos encontramos con un período en el cual la idea es básicamente romper los moldes antiguos y comenzar algo nuevo. A partir de allí, surgió lo que ahora se llama “música popular”, el rock, el jazz, el pop y muchos otros estilos que se escuchan actualmente surgen, se popularizan y se amplían en esta época. Si queremos, podemos hablar de los grandes iconos de esa época, como Frank Sinatra, Los Beatles, Carole King, Neil Diamond, Steve Wonder, los Beach Boys, los BeeGees, Billy Joel, Elton John, los Eagles, Michael Jackson, Madonna, Abba, The Police, Rolling Stone, entre muchos otros.

Los adolecentes, se mueven en grupos, estos definen un patrón de compartimiento, y siguen diferentes estilos. Para ser “aceptado” por un grupo, el adolecente debe cumplir ciertas obligaciones, entre ellas, la música que escucha. Podemos hablar de muchos grupos sociales, lo cuales tiene gustos musicales diferentes, usualmente, uno de estos, dependiendo la moda del momento, puede resaltar de los demás y popularizar su estilo musical. Presentando un ejemplo, en el 2007 y 2008, en nuestro país se popularizó un grupo que escuchaba música electrónica. En unos pocos meses, los boliches y las radios difundieron mucha música de este género, provocando su popularización y surgieron grupos relacionados con este estilo. En el 2009 y adelante aparecieron otros tipos de música, que reflejan las realidades del las villas, estos géneros se conocen como Reggaetón y cumbia villera, que de cierta forma ha pasado a ocupar el lugar de “popularidad” en el que estaba la música electrónica. El reggaetón toma parte de sus raíces del reggae en español fusionado con varias características del hip hop y el rap. Exponiendo en sus canciones en su principio la denuncia social, luego fue mutando hasta ser más festiva. La cumbia villera es un subgénero de la cumbia argentina, que tiene sus bases en la cumbia colombiana y peruana. En sus letras se expone básicamente las realidades que se viven en la villa (marginalidad, pobreza, drogas, etc.). Esta es la música que escuchan actualmente la mayoría de los adolecentes.

Pero hay otros estilos que han quedado en la historia y que aun hoy se sigue escuchando. Se les llaman “clásicos” y son temas y bandas de principio de la música moderna. Toda esta música es considerada de mejor calidad musical, no sólo por muchos jóvenes, sino también por los adultos. Esta música une varias generaciones y es aceptada en casi todos los grupos sociales, podríamos decir que es un estilo musical que nunca pasa de moda, y por esto no se juzga a quién le gusta o la escucha.

Para finaliza creo que la música en los jóvenes varía mucho según las modas y las realidades sociales, pero igualmente, hay algunos estilos que se conservan como neutros y unen a todos grupos.

La idea de que se debe o no escuchar un determinado tipo de música, solo por el simple hecho de que esté de moda, no es válido. La música representa algo diferente para todos, tal vez nos trasmite algo, o recuerda a alguien, a un lugar o un momento determinado. La música nos acompaña a lo largo de nuestras vidas, por lo que varía conforme con ella, por lo tanto todas la variantes musicales son validas, en tanto signifique algo para quien lo escucha.

FICHA DE CLASE

Ejemplo de FICHA DE CLASE

Autor	Título	Época	Género	Forma musical	Observaciones
Vivaldi	Las cuatro estaciones, Invierno, 3er movimiento	Barroco	Instrumental	Concierto Grosso	Es una orquesta de cámara, sólo cuerdas. Audio
Mozart	El barbero de Sevilla	Clásico	Vocal	Ópera bufa	Puesta de escena moderna. Video